Lamarga

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Margarita García Alonso (Matanzas, Cuba)  Periodista, poeta, y artista visual.

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INFINITUM –

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VISIONES 2014/15/ 16
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2014

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Licenciada en periodismo de la Universidad de la Habana.  Master en Industrias gráficas- creación, paginación y videos, en Fodeno, Francia.  Ha publicado los poemarios Sustos de muchacha, (Ediciones Vigía, 1988), Cuaderno del Moro, (Editora Letras Cubanas, 1990). “Maldicionario”,  “Mar de la Mancha”,   “L’aiguille dans la ponme”,  ’La costurera de Malasaña’, y ‘Cuaderno de la herborista en Editions “Hoy no he visto el paraíso, donde publica, además, el primer libro ilustrado sobre la obra de José Lezama Lima: “Lezamillos habitados”; las novelas para niños: “Garganta”, y “Señorita No y señora sí”. Las novelas: “Amarar”, (también publicada en Ediciones El barco ebrio, 2012.) y “La pasión de la reina era más grande que el cuadro”, 2012.

En el 2013 ve la luz el poemario “El centeno que corta el aire”, editorial Betania, Madrid; y en edición bilingüe, (francés, español) “La aguja en la manzana”, en la Casa  parisina L’échappée belle édition.

Ha publicado en las  revistas  literarias Baquiana, Hueso Loco, La Fangina, Sub Urbano, Letralia, Isla Negra, entre otras.  Aparece en la Antología de la poesía cubana del exilio, Aduana Vieja, 2011, además realizó la portada. Editada en la Antología de la poesía universal junto a poetas de 169 países, realizada por Fernando Sabido;  y en Poetas Siglo XXI. Su obra se puede apreciar en la red,  como el Portal de la poesía contemporánea, en Metapoesía; y en Bazart Normandía.

Ilustradora del libro de teatro “A ciegas” (2005), de Laura Ruíz; y del poemario “Nouvelles”, de Dan Leuteneger, (Collection Emeutes) Entre sus colaboraciones plásticas o literarias están la traducción del libro “Justo un poco de amor”, de la poetisa Florence Isacc; y las portadas de la Antología de Poesía “Letras en la piel”, (Ediciones Mis Escritos, Argentina), y “Ella estaba donde no sabía”, novela de Froilán Escobar, Costa Rica.

Ha obtenido numerosos premios y otros tantos en concursos literarios. Laureada en la Taberna de poetas franceses, y publicada por “Yvelinesédition”, en Marzo 2006.

Ha sido invitada a las Semanas de la literatura alternativa, 2010 y 2012, en Miami, donde ha leído su obra y expuesto sus pinturas.  Creadora de Editions Hoy no he visto el paraíso, donde ha publicado poemarios a David Lago González, Alberto Lauro, Sonia Díaz Corrales, Odette Alonso, Juan Carlos Recio, Pedro Assef, Maya Islas, Carlos Augusto Alfonso,  Jesús Díaz,  José Manuel Poveda, la narrativa de Laura Pérez García, así como ensayos  ensayos a Javier Guzmán Simón.

Posee un amplio currículo con numerosas exposiciones y premios de pintura. Su trabajo en el arte contemporáneo ha sido considerado Heritage y Patrimonio del arte contemporáneo en la Normandía; además ha sido facturada en la Colección  « Spotlight on France », de Galerie Saatchi, on line, Londres, Curated por Rebecca Wilson.

Reside desde 1992 en Francia. En Cuba fue directora del semanario cultural Yurumí y editora de Casa de las Américas.

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2013

2014

GALERIA SAATCHI ON LINE

 Last exhibitions:

Italia ABOUT PROJECTO + artist Margarita Garcìa Alonso

2015-2016  Moma de San Francisco.

2015 Retrospective Painting Heritage of Bolbec, France.
Expo 2015 collage « Elba, Napoleon experience », Bari, Italy.
Expo 2015. « Quantum operator » Owlstand, London.
2013 Expo painting Don Gaston, Madrid, Spain.
2012 Expo painting DESTINATION PARADISE, the French Alliance, Florida, Miami. USA
2010- Expo in El Dorado, in Miami, Florida. USA
2010 to 2015. Expos to the city of Le Havre, digital creations, videos, covers and illustrations for various magazines and books.

2016

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9no número de Signum Nous _Margarita Garcia Alonso. La maravillosa duda. Una reseña de Jorge Tamargo

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Entrevista a José M. Fernández Pequeño sobre su más reciente colección de cuentos, Memorias del equilibrio. 24/06/2016

Tu libro cuenta con una edición especialmente hermosa. ¿Cómo surgió la idea de ilustrarlo con los dibujos de Margarita García Alonso?

Soy un admirador entregado de Margo. De su obra contradictoria, aguda, inconforme, repleta de confrontaciones visuales y discursivas. Me encontré con ella un día en las redes sociales (tomen nota los detractores de Facebook) y a partir de ahí ha sido como si compartiéramos vecindario. ¡Somos tan distintos y tenemos tantas cosas en común! Cierta tarde estaba viendo unos trabajos nuevos en su página y me golpeó un detalle. Aquel gusano verde que caminaba por una correíta iba diciendo exactamente lo que yo quería decir en los cuentos de Memorias del equilibrio, que entonces era un proyecto en desarrollo. Le escribí y el gusano se encaramó en la portada del libro con el descaro de quien hubiera nacido para estar ahí.

Nunca hablamos de los restantes dibujos, los que aparecen en el interior del libro. Margarita los hizo porque se le ocurrió hacerlos; al fin, no tenía que pedir permiso. Y realizó el trabajo con una condición: no haber leído el libro antes para dejar que su imaginación adivinara lo que allí se contaba. El resultado está a la vista. En rigor, Margarita García Alonso no ilustró el libro, más bien me ayudó a soñarlo. ¿Explicación? No hace falta. Como tú, nací en el llano de Oriente, que es la capital del espiritismo de cordón cubano, y estoy seguro de que en algún sentido eso debe dotarnos de una cualidad especial para las comunicaciones subyacentes.

El cuidado de edición y diseño es de Karenia Guillarón, reina de K ediciones. Pero bueno, ¿qué cosa de mi vida no está bajo su cuidado?

jueves, 16 de junio de 2016

Margarita García Alonso. La maravillosa duda

 Por Jorge Tamargo- Poeta, arquitecto y diseñador cubano, residente en Valladolid, España

Quienes la conocemos, sabemos que Margarita García Alonso, además de escribir poesía de alta calidad y editar libros para la inmensa minoría, pinta; o, por decirlo más ancha y precisamente: compone escenas que alegran los ojos a los inquietos, en la misma medida que los importunan a los remolones. Y es que Marga (perdonen la economía nominal, que nada tiene que ver aquí con el colegueo barato) lleva muchos años decorando la cabaña donde vive el mismísimo porquero de Agamenón; dando razones al célebre mozo para que sostenga su higiénica duda con relación a la Verdad.

Jamás tuvo Marga una vocación analgésica. Es la madre de un bestiario muy singular (todo “bestiario es una revisión de la condición humana partiendo de la condición animal…”, nos dice Piñero Moral) con el que previene a su cliente-pupilo frente a cualquier vademécum doctrinal, también en las artes plásticas. Sus composiciones son un remedio eficaz contra la fascinación aristotélica. Su obra toda es un verdadero cajón de sastre para los locos de este mundo: los que dudan, quiero decir, los de atar; no los sobrecargados de certidumbre, que, con nuestra cómplice indolencia, y como se diría en el barrio donde nací: andan sueltos y sin vacunar, pontificando en las cátedras y las tribunas de ese otro mundo tan ajeno al arte.

Hablo de una autora que escucha el estruendo provocado por el Edificio mientras se desploma, y, lejos de obviarlo, lo graba; lejos de atenuarlo, lo amplifica. Con ese ruido, no obstante, sustenta la cabaña de su protegido: entretiene los cimientos de barro con un sonoro, pero divertido y fructífero, no sé. ¿Cómo? 

    LA VETA SURREALISTA

Los más ortodoxos surrealistas del XX representaron en estado de vigilia, o eso dijeron, la parte que lograron retener de los sobresaltos que padecían durante el sueño. Yo no lo creo del todo, pero aceptémoslo para no introducir aquí un problema que nos distraiga. El caso es que, de esa manera, pretendieron sustraerse a cualquier atisbo de control racional sobre su obra. Los surrealistas emergieron entonces como “artistas puros”, porque su movimiento, cual cándida estela del psicoanálisis, fue siempre de la subconsciencia a la consciencia, nunca en sentido contrario.

Bien, la aparente digestión de la Primera Gran Guerra por la vía de un arte-laxante que no sacaba la cabeza de la caja negra, al parecer no fue posible tras su gravísima réplica. Occidente no pudo digerir el colmo y la consecuente caída de la modernidad, (“todo lo que llega a su apogeo comienza a declinar”, decía Abd Allāh) cerrando o entornando de nuevo los ojos tras la toma de Berlín por los aliados. Los delirios imperiales alemanes y soviéticos, de muy distinto signo que los anglosajones, y la respuesta de estos últimos, menos alucinada pero igualmente beligerante, impidieron echar otra vez la capa sobre la caja de cristal. Todas las tendencias artísticas acentuaron el pathos, y creyeron compensarlo, acaso esconderlo con el uso (y abuso) del logos. La mayoría de ellas optaron entre lo patético y lo razonante, otras fueron sometidas a una latencia más o menos vigente. La abstracción se hizo expresionista, (que no al revés, como su nombre sugiere) el cubismo se tornó a ratos discursivo, el surrealismo quedó arrinconado, el dadaísmo abandonó la escena; sólo el realismo socialista se mantuvo en sus escuetas casillas; y antes de que pudieran llegar el refresco pop o la hamaca postmoderna, surgió el llamado arte conceptual. Nunca más los surrealistas, ni siquiera los que son tan incorregibles como Marga, pudieron trabajar al margen de semejante influjo.

Y como desde entonces ya no vale cerrar tramposamente los ojos para espantar a la pertinaz vigilia, Marga sueña con los suyos abiertos. Su obra tiene una clara veta surrealista, pero dista mucho de limitarse a lo que retiene la almohada. Su discurso no es sólo formal, no sólo regala forma a sus ensoñaciones, sino que está atravesado por una línea conceptual, que, en algunos casos, llega incluso a remedar el horizonte. Es normal, o al menos comprensible: ningún gorrión puede vivir, como gorrión, mucho tiempo en un gallinero. ¿Es Marga una artista puramente conceptual? No. ¿Es una artista puramente surrealista? Tampoco. Si el porquero de Agamenón preguntara por la génesis de la obra que ella estampó en el techo de la cabaña donde duerme, Marga le respondería: ―Es más que un sueño soplado y menos que un sueño razonado. No es gaseosa ni sólida… ¿Una invitación al juego…? No sé… ¿Y entonces?

LA CORRIENTE LÍQUIDA EN EL CAUCE POSTMODERNO

Joaquín Esteban Ortega ha dicho: “la clave de este asunto [el carácter inaprensible del arte postmoderno-líquido] se encuentra en la desontologización de la obra a favor de su conceptuación.” O sea, la obra que renuncia a ser para representar un concepto, y se convierte en mera noticia del concepto representado. ¿Hay algo más impropio para la obra de arte que un concepto, ya no sólo presente en su fórmula genitora, sino también suplantando su fin? Pero, si el arte líquido (Bauman) surge de una transitoriedad determinante, de un substrato social también líquido, en continua mutación, opuesto al que permitía, o más aún, demandaba, la sociedad egipcia, ¿qué tipo de concepto debe sustentarlo, si no ese que se derrame con igual laxitud, ese que, apenas haya alcanzado su aparente forma, sienta la urgencia de trans-formarse?

Sometido a semejante sobrexcitación conceptual y formal, el hombre postmoderno no es capaz de imantar sus ripios. Se cargó de pasado, colocó la razón en el sitio inadecuado, delegó en la estética académica (los estetas) el arbitraje de su relación con la naturaleza, se puso en manos de la ciencia experimental y la tecnología; y ahora no parece merecer la belleza si no sometida a una liquidez simétrica a la suya propia. Porque, según Schiller, realmente “bella […] es aquella forma que no exige ninguna explicación, o bien aquella que se explica sin concepto.” Además, se pregunta y se responde el genio alemán: “¿Por qué cada uno de los griegos puede erigirse en representante de su tiempo, y no así el hombre moderno? Porque al primero le dio forma la naturaleza, que todo lo une, y al segundo el entendimiento, que todo lo divide.”

Así que tenemos un tiempo líquido (cuasi forme, por no decir informe), un arte también líquido, cuyo estado, unido a su extrema conceptuación, lo hace prácticamente inaprensible; y el artista postmoderno, hecho pedazos por “el entendimiento, que todo lo divide”, persiguiendo una belleza que se ajuste a circunstancias tan problemáticas… Y ahí aparece Marga con un surrealismo transido de postmodernidad, con esa tara conceptual inevitable, pero también con un salvavidas maravilloso: la locura y su consecuente duda sobre la Verdad. Marga se deja llevar por la Duda. Se monta un rollo cuántico que avala su relativismo y permite obrar a sus fantasmas. Según Corinne Enaudeau, “el hombre racionalista, con espíritu de sistema, que ve la unidad de las ideas incluso antes de que hayan nacido, nunca inventa nada. La flema del genio consiste en dejar hacer al extravío, dejar que se tejan las analogías, dejar que se multipliquen los espectros.” Eso hace Marga. La traza conceptual y sistémica logra atravesar e intoxicar su veta surrealista, pero no extinguir la locura que ventila su aparente irracionalidad.

¿Y la belleza? Como bien dijo Hume: “la belleza [por más que se piense] no es una cualidad del círculo. No reside en ninguna parte de la línea cuyos puntos son todos equidistantes de cualquier centro común. Es sólo el efecto que esa figura produce sobre una mente, cuya particular fábrica o estructura la vuelve susceptible de tales sentimientos.” El círculo parecerá bello a la mente aristotélica que se regocija con la Verdad-Una-Toda-Inmóvil-Imperecedera. La malla infinita y cuántica parecerá bella a quienes vean esa Verdad como una leyenda convenida, débilmente asida a sus mutantes nudos. Sobre todo para estos últimos, trabaja Marga: para los locos que mantengan muy activos los canales sensibles y desistan de buscar en sus obras, sólo, la quinta pata al gato: la discursiva… Si el porquero de Agamenón preguntara por la esencia de la obra que ella colgó en la cara interior de la puerta de su cabaña, Marga le respondería: ―Es más que mentira prescindible y menos que mentira imprescindible. No es gaseosa ni sólida… ¿Una invitación al juego…? No sé… ¿Y entonces?

CODA PARA LA RESIGNACIÓN Y EL DISFRUTE

¿Para qué tanta pregunta? “Por raro que sea el modo con que el mosto se agite, siempre acaba por contener más o menos vino.” (Goethe). Marga agita su mosto de manera que el vino resultante plazca a los locos de su tiempo. Y junto a ellos, mientras beben entretenidos, suelta a sus bestias polivalentes donde “todo el espacio juega con el grito ¡No sé!” (Mallarmé) Un grito femenino, sí, que en el caso de Marga es lanzado con una sobreabundancia que a veces abruma, por (y especialmente para) una omnipresente mujer… Me resigno. Sin que haga falta un saber demasiado, ya está: Marga puede engendrar las cosas que más disfruto, esas que gracias a Dios no sé, y que gracias a mis dioses, aunque a veces me ponga a manosearlas en voz alta, no tengo intención alguna de averiguar a fondo. Porque, como dijo Nietzsche, (madre mía, hoy tengo el estro polémicamente franco-germánico) “todo conocimiento profundo es una corriente fría.”

¿A que no debo terminar hablando de herramientas digitales, mecanismos del collage, psicología del color o leyes de la simetría? ¿A que no?

 

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Italia ABOUT PROJECTO + artist Margarita Garcìa Alonso

« la moda ti fa viaggiare attraverso lo spazio ed il tempo ed esplorare il Locus » .. Questa è la filosofia di AB-OUT+ artist Margarita Garcìa Alonso

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con ABOUT stiamo lavorando da tempo su un nuovo approccio nel fare rigenerazione territoriale esperienziale.. siamo partiti dal concetto del bello come espressione del pensiero di un popolo e del Genius Loci di un luogo .. l’arte che diviene veicolo di innovazione nella rigenerazione urbana e turistica esperienziale.. così è nato un progetto innovativo di cui presto vi parleremo.. oggi non si può fare rigenerazione territoriale esperienziale, senza avere nuovi occhi per guardare le cose e senza lavorare in sinergia con menti e creatività che sono sulla tua stessa lunghezza d’onda..ognuno di noi è un mondo che arricchisce l’altro.. insieme siamo un universo.

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« l’architettura è un arte di frontiera. Solo se si accetta la sfida di farsi contaminare, ha ragione di essere. Altrimenti è roba da salotto « .Renzo Piano… Questa è la filosofia di AB-OUT+ MargaritaGarcíaAlonso artist

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IN UTOOPICS MAGAZINE

Margarita Garcia Alonso – Quantum Quantum

Une artiste poète quantique; c’est ainsi que se qualifie Margarita Garcia Alonso! Elle crée des compositions surréalistes qui nous plongent dans un univers atomique et poétique. Elle nous offre ainsi une vision onirique de la physique et des fondements de notre monde.

Renversant n’est-ce pas?

SELECTION D’OUVRES POUR LA REDACTION

MUSEUM of MODERN aRT OF SAN FRANCISCO -SFMOMA-

MARGARITA GARCIA ALONSO

OBRA      —–  OBRA

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Une artiste poète quantique au Rond-Point !

Margarita Garcia Alonso est une artiste française, d’origine Cubaine. Travaillant sur les visions quantiques, avec un puissant effet poétique humain. Elle se concentre sur des créatures peu orthodoxes et controversées. Margarita a fait la couverture de nombreux magazines d’art et de littérature, conçu la collection de livre Today I have not seen paradise et a publié 12 livres de qualité

Por Jane Plane I like the fragile sense of human ordering over-layed on cosmic processes

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Quantum Operator 

Margarita García Alonso works with ‘quantum visions’, with a powerful poetic effect. This exhibition explores some of her recent collage series including « CollectionWoman at the Edge of exile », « Learning« , « Astral noise / silence » and « Happiness & Wasabi ».
The artist focuses on unorthodox and controversial creatures and topics, and has made the cover of numerous art and literature magazines. She also designed the book collection « Today I have not seen paradise », and has published 12 books during her career as an artist. Her poetry is extremely evocative and explores the devilish force between literature and strong graphic visions. A self-proclaimed ‘Renaissance Woman’, ‘Quantum Woman’, and cerebral artist whose mission is to communicate directly to the human mind, Margarita uses her aesthetic to decipher symbolic codes which populate her figuative works, and opens up a shrewd questioning of reality through contradictory hypothetical situations.
Margarita García Alonso is a Cuban poet and visual artist based in France, with a BA in journalism from the University of Havana, Cuba. Her work is considered part of the heritage of contemporary art in Normandy. Her work is featured in the Collection: « Spotlight on France » by the Saatchi Gallery, curated by Rebecca Wilson.
For further information and enquiries, please visit:

Ana Gador Me imagino tus creaciones en los escaparates de los grandes almacenes de Nueva York, Bedgorf and Goodman en la 5 avenida con la 57. Siempre tienen algo inusual e impactante como fondo para sus maniquies. Igual te contratan…

Con mucho gusto presentamos los  collages de Margarita García Alonso,  extraordinarias creaciones que combinan múltiples imágenes en una sola narrativa. Ella está usando vintage negro  que colorea con destreza y fotografías que combina con fragmentos de tecnología, de ciencia, para crear historias visuales. García se ajusta a los elementos para interrumpir audazmente sobre anticuados eventos con componentes de color modernos, con movimiento, secuencias, hasta lograr historias que perturban, historias sin fin, conceptuales, osadas. Sus imágenes son vivas y hablan de alegrías, desespero,  fatalidad, del fin de la vida y nos recuerdan  a vivir cada día al máximo. Dentro del grafismo contemporáneo en Francia García Alonso posee un universo fuera de lo ordinario, majestuoso, y una impecable realización técnica, a la altura de su febril imaginación cuántica. Su obra tiene una personalidad renacentista, entre poesía, búsqueda y entregas sustanciales para el conocimiento de la humanidad. Es, sin dudas, una artista humanista con las herramientas ajustadas y un fuerte armamento pshyco perceptivo.  Herman W. Exposición colectiva « Salto »  13/o4 a mayo 2015-

Por    José Fernández Pequeño

“Margarita García Alonso: Poeta y artista visual cubana radicada en Francia. Su estética establece una relectura de los códigos simbólicos al uso, lo que puebla su obra de figuras y situaciones en apariencia contradictorias y que, precisamente por eso, operan un sagaz cuestionamiento de la realidad. En la imagen, su « antiselfie ».

José M. Fernández Pequeño . No creas que no te entienden o valoran, solo que cuando se trabaja con la honestidad que trabajas tú, todo demora más porque todo es más profundo.

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Por Xavier Bankimaro  

Margarita Garcia Alonso,  Amo esa simbología tuya de niñas pequeñas montando animales salvajes (nada sexual detrás lo juro por Apolo).

Se me hace sumamente interesante, brota en mi la idea de la verdadera libertad creativa, esa creatividad sin domesticar.

Esa fuerza vital de sólo cuando eres niño y todo lo ves sin formas y sin límites.

Muchas de tus creaciones me hacen regresar allí.

 » Qué buena idea. Me imagino personajes históricos o famosos que usaran gafas retratados de esta manera. Al ver sólo sus ojos y no distraernos con otros puntos de su físico, captaríamos mucho más la esencia del personaje retratado. En el Ikebana, arte floral japonés, se sacrifican y se tiran sin más, muchas flores para que el ojo no se entretenga y se concentre más en las flores escogidas. Los japoneses conocen muy bien como funciona el sentido de la vista. Aquí nuestros ojos no se distraen y van directos y se concentran en los ojos del retrato. Bravisimo! Ana Gador

Julio Vicioso La primera obra tuya que vi era un Icaro con frondas de palma como alas,inmediatamente me sentí conectado con la obra:era yo. Tu arte es parte del collage que me estoy inventado para crearme nuevas alas e intentar volar nuevamente.Mil gracias por ello

La Marga:una isla en su pintura, POR Carlos Wotzkow

La Marga: una isla en su pintura

“Car Je suis obligée à m’exposer dans le bars… Car je ne vends pas cher aux clients réguliers, car je fais la pute avec le galeristes, car je dois me mêler aux putes pour être un artiste contemporaine, car je dois avoir la langue de pute pour être dans la Biennal… Ufffff je fais la pute ce soir comme je le ferais demain car je suis la pute de l’art ! Profitez de mon bordel”
Las artes plásticas en Cuba están en problemas. Al menos para los artistas que en Cuba viven y quieren vivir de su arte. La posibilidad de mantener niveles de cultura elevados en un antro totalitario se hace un problema palpable. Un estado donde los libros, la música culta, o popular, las exposiciones de pintura, y los triunfos artísticos de una supuesta “vanguardia” cultural ignoran la diversidad y el impacto cultural de su exilio, es, cuando menos, un país en donde las artes agonizan.

¿Cómo se puede hablar seriamente de cultura en una isla que no reconoce la virtuosidad de sus músicos, pintores y artistas exiliados? ¿Cómo se puede ser culto en un país donde un poema se escribe para intentar llevar un plato (o una botella de alcohol) a la mesa? ¿Cómo se logra un estilo propio en Cuba, si la ejecución de las artes no obedece más que a satisfacer reglas ideológicas? (Cuba, Monde Cubain) ¿Cómo se puede hablar de vanguardia allí donde la valoración del observador queda excluida del trabajo artístico.

Una mujer y una isla, un poema y una isla, o una isla y un poema hecho pintura

La espuma, el verde de los árboles
y su miedo, su hambre en el vientre.

Rudos días donde entra
al paisaje,

al vértigo de isla perdida
entre las olas.

Mi terrible hija
mi mujer abandonada,
mi isla de insomnios, despeinada
zozobra entre bestias
que horadan su vientre
en la inerte laguna.

En el ojo negro de la tempestad
la palma real roza
la nube asustada,
huérfana,
que viene de lejos,
buscando protección.

Recientemente he tenido el privilegio de toparme con una poetiza cubana que se cansó de escribir poemas y se dedicó a pintarlos. Y sí, soy un afortunado de conocer a esta Chagall cubana (Pájaros que no conocerán la primavera, L’ânge de la mort) con importantes excepciones, como lo constituye el dolor de su pintura en el exilio y el trabajo artístico que plasma sus experiencias en un mundo impuesto (Esta herida del destierro, Cartas a Yovani Bauta). Hasta la fecha, aparte de la fotografía y las técnicas mixtas de mi amigo Gori (Miami), no me había topado con otro artista que lograra atarme a un mundo hipotético tan diferente al de mi imaginación.

Entonces me tropecé con la pintura de Margarita García Alonso, una artista madura en la poesía y que en mi modesta opinión ganaría cualquier premio gracias a su neo-figuración sensual del micro mundo humano. Mi primera impresión al ver la gran versatilidad de su obra fue sentir el juego magnífico que sólo ella logra con sus colores primarios. No puedo recordar cuando sentí por primera vez esa sed saturada de colores dentro de una obra monumental y a la vez minimalista que, conectada de alguna manera a mis sentidos, estimularan tanta pasión.

Cuando choqué con sus trabajos “Dibujito” y “Monde Cubain”, no creo recordar que alguien haya podido plasmar (y decir) a Cuba mejor. Margarita es parte del drama cubano estructurado en atmósferas y que para algunos allá, en Francia, puede resultar onírico. Para mí, su pintura es realidad factual, es como si nos dijera que los principios generales del gusto humano no pueden ser uniformes. No, su héroe no es el mismo que complace a isleños y a desterrados. ¡Y no!, no son esas mujeres de nuestra artista exiliada las mismas que complacen a los creadores de la isla. Aquellos más bien, las crean para procrear.

Con Lamarga me he percatado, una vez más, de lo bien que viaja la buena cultura cubana fuera de nuestra tierra. Paquito d’Rivera es tan amado en Berna como lo es en Nueva York y la pintura de esta cubana en Normandía, fascina lo mismo en la Gran Manzana como lo hace en tierras helvéticas. Sus desnudos (Mi tiempo, Sirene, Viaje, Exilio 4, Ma vie sexuelle) aparecen como entidades extrañas al ojo lúdico cubano hasta que, de repente, pensamos en ellos con el pulso y la aceleración rítmica de un Lecuona interpretado por Bebo Valdés. Y sí, repetición, variación y sorpresas nos dispensa, hasta que la modulación nos deja ver la divina melodía en forma de siluetas y dibujos… ¿infantiles?

Si el gusto artístico es arbitrario a cualquier intelectual ello se debe quizás, a que posee una voracidad ecléctica y… quién puede mostrárnoslo mejor que la obra de La Marga. Sus cuadros se apropian de los mensajes de la poesía y qué cultura, por lejana que esta sea, no ama los poemas. Un ejemplo de ese eclecticismo lo notamos en sus óleos “Sensualidad” y “Humanite”, que se me antojan como una de las vertientes culturales cubanas más reconocidas: una mezcla de melodía folclórica y clásica fragilidad que, a pesar de limitadas a un plano silente, parecen posee un ritmo incorporado.

Fue Heisenberg quien nos enseñó que la posición y el momento de un objeto son inherentemente inciertos porque ambos están sujetos al acto de la observación. Y la pintura de La Marga es un arte extraño y perturbador (Pequeños formatos e historias de exilio 1, La plus vieille machine du monde, La fureur de vivre), porque esta hecho para recordarle al observador que ha sido concebido en un mundo extraño y en un lugar molesto: el exilio. El cuerpo femenino que Margarita García (Proceso de Creación, Voyage sans retour) nos propone un lugar saturado de deseos encontrados: una red tejida por la tristeza el sexo y la necesidad humana.

Muy duros deben haber sido los primeros años del exilio en Francia cuando una poeta sale de un país con tendencia forzada de postmodernismo y descubre en la pintura otra característica en la naturaleza humana: el hambre por la libre expresión, especialmente, el hambre propia por una identidad propia, no colectiva. En mi opinión la psicología del arte está liada a la psicología de la autoestima y en la obra de Margarita (con sus diseños complicados, virtuosos, y en ocasiones deslumbrantes), se observan épocas que semejan desesperadas bocanadas de aire tras largos periodos de asfixia psicológica.

Si lo que usted busca es la belleza pictórica estandarizada en el arte de Margarita García Alonso, visite mejor un Carrefour y cómprense un par de afiches baratos a su gusto. La belleza “tradicional” no ocupa espacios en el arte de esta cubana, porque su arte está afincado en la experiencia de la tristeza y el sufrimiento humanos (Santa Tierra [con la saya sucia de sangre]). Lo que yo aprecio en la pintura de La Marga no son los cuerpos perfectos de sus modelos, sino la emoción que me produce mirar la buena poesía hecha a base de contrastes de color. ¿Hay acaso buena poesía que no sea triste, colorida, desesperada?

Margarita García es hoy libre del postmodernismo cubano (Instalación la puta esta noche en pintura), más no ajena a los obstáculos de su ambiente francés. La dureza y la soledad de su exilio en Francia la han moldeado como la verdadera artista que es hoy. La parodia cultural de Cuba ya ha quedado prohibida en un atelier aislado en otro país en donde la auto-parodia es también común. Francia es otro antro posmodernista y las enseñanzas morales y políticas del postmodernismo francés dejan un record nulo de valor artístico. El postmodernismo no implica progreso, sino una negación de la realidad objetiva y este ha sido el enemigo número uno del progreso artístico cubano.

La poesía y la pintura de Margarita García Alonso son a mi juicio expresiones obsesionadas con la verdad. Es como si la artista exiliada jamás transara con ninguna utopía. Al menos, no de una manera complaciente y jamás, relajando su pulso ante los conflictos cubanos que tanto le atañen y la afectan. Imposible que la Marga borre de un pincelazo la perversidad que le rodea. Imposible verla perdiendo sus colores, cerrando más ojos a sus dos “Mujercitas” durmientes, o a sus anhelos mimetizados en el trasfondo de sus más impresionantes telas.

Carlos Wotzkow
Bienne, Diciembre 17, 2006

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« Nosotros estamos mirándote »: muchachos desafiantes e impúdicos, por Yoandy Cabrera

Nosotros
estos últimos tendones de la gran caída
del cielo nosotros los buitres
los tímidos los de la blanda mecha y la oreja sucia
nosotros estamos
mirándote
Félix Hangelini. “Los buitres”
La primera vez que visité el Museo del Prado y pude observar los cuadros de El Greco, supe y detecté que había una poética en aquellas miradas, escalas ascendentes desde una melancolía que perdura y se fortalece con los siglos. Algo semejante expresé al analizar algunas fotografías de tema grecolatino del fotógrafo español Carmelo Blázquez Jiménez. En ese texto afirmo: “hay en la mirada un hilo conductor, un organismo independiente”. Podría escribirse, creo, un análisis diacrónico del tratamiento de los ojos en el arte, una historia del arte a través de la mirada: desde las cuencas (hoy) vacías de las estatuas griegas y los enormes (y casi siempre frontales) ojos egipcios, hasta la mirada fulminante o esquiva de los superhéroes.
En el caso de la muestra plástica de Margarita García Alonso que desde el mes de julio presenta la Taberna Don Gastón en Madrid, sede social de la Editorial Hypermedia, estamos en presencia de poses, instantáneas de ciertas figuras cuyos enormes ojos parecen convocar al mismo tiempo al infinito y al abismo, o acaso estemos hablando de un mismo asunto. Hay en esas pupilas tensión y hermandad y en ese sentido son heraclitianas: contienen en su blanco y negro las dos fuerzas cósmicas enfrentadas que dan equilibrio al mundo: el eros y la rivalidad.
Hay una fauna en derredor de estas figuras (figuras cuyos cuerpos y en especial los ojos conforman el punto de fuga, el referente central de las composiciones) que es (en el caso de las alimañas) un eco expresionista de El Bosco, de Pieter Fris, de David Teniers, pero en muchos casos esa propia fauna circundante, ese entorno natural, polícromo surge de las propias siluetas humanas. Con respecto a los animalillos en miniatura que orbitan en algunos cuadros, es importante destacar que se mueven entre la inventio fantástico-infernal de un Teniers o un Bosco y la naturaleza onírica y más cándida de Chagall, por lo que son también reflejo de la dicotomía fundamental de la muestra: eros/rivalidad o vida/muerte.
Margarita logra generar belleza de la exageración, de la hipérobole ocular, del grotesco en esos ojos (que en algún momento pueden evocar ciertas escenas del más clásico cine de terror).
Consigue también con sus muchachos mezclar la libertad del color que heredamos de Gaugin, la independencia expresiva de Matisse, con una cierta melancolía que habla desde el silencio. Y precisamente sus figuras son dialógicas; a diferencia de los danzantes de Matisse, los suyos han detenido el movimiento, rompen la independencia cosmológica del encuadre, el círculo que el rojo de las figuras describe sobre el azul en Matisse y posan, de frente, más humanos, más cercanos y a la vez más frontales y dispuestos. Menudo rescate, desde nuestra contemporaneidad, de la ley de la frontalidad, propio de la escultura antigua. Desnudos, vestidos, en busto, de cuerpo entero, nada hay más definido en ellos que los ojos. Y nos miran con un prisma que va desde la indefensión y la dulzura, pasando por el hieratismo, hasta el reto y el enigma.
¿Posan? ¿Hay que tomarles una foto? ¿Nos han visto entrar a la taberna y detienen sus bailes, sus rituales? Desde ese cosmos multiculor, estos muchachos nos observan, y la mirada es precisamente lo que rompe la cuarta pared, lo que permea el escenario de ellos con respecto al nuestro, y viceversa, lo que comunica espacios, dimensiones.
Otro referente de estos cuadros, como ya había dicho, es Chagall. Las dos primeras muchachas tienen sobre sí, desprenden, generan otro mundo, pequeñas figuras de humanos, plantas y animales que orbitan armónicamente entre el cuello y la cabeza, que las habitan. Nótese también en el grupo de jóvenes, en los cuadros del fondo de la taberna, cómo la naturaleza parece más bien un manto que surge de ellos y los cubre al mismo tiempo. El paisaje está hecho a la medida de ellos, a su misma estatura. Al mismo tiempo conforman un divertimento paródico de Desayuno sobre la hierba de Monet. Y en esta ocasión no solo las féminas están desnudas, sino también los másculos que, como ellas, lanzan, desafiantes, una mirada hacia el espectador.
Hay una lectura lineal (propósito sin dudas expreso del secretario de la muestra y de la propia pintora) que nos conduce desde los bustos solitarios y cósmicos, pasa por el nudismo grupal y regresa, en estructura anular, a la figura exenta: va, por tanto, de los primeros retratos femeninos (núcleos atómicos, planetarios y vivos) a la muchacha sentada con su vestido amarillo en medio del campo que nos mira con la mano cerca de una flor y que ya aparece de cuerpo entero. Luego una pareja que, vestidos aún, nos miran con las manos tomadas. Y seguidamente los grupos sin ropa: tres chicos en uno, cuatro en otro y cuatro más en estos cuadros centrales donde las miradas y la desnudez invitan a la provocación y a la franqueza absoluta. Matices y escalas del blanco en los cuerpos que retan al espectador y que rompen con los azules, verdes y amarillos explosivos del entorno.
Aparece entonces, en otra pieza, una pareja donde la muchacha, bailarina nata, ensaya un passé, y el chico parece estar listo para hacer un attitude. Después un grupo de muchachas con postura y rostro desafiantes y finalmente la figura exenta otra vez, que cierra en ring composition con vestido amarillo (como aquella que descansaba sobre la hierba cerca de una flor) que esta vez sostiene un ave en las manos y otro ave está en pie a su lado. Nada, ni los animales, ni las casas al fondo, tienen el tamaño de estos pájaros. Pájaros que son ojos con ojos (órbitas con órbitas), que son metáforas de esta galería de miradas. Ninguna de las figuras sonríe, toda la expresividad está en el blanco y el negro nuclear de las pupilas. Ojos que nos conducen de la soledad a la desnudez y otra vez a la soledad. Una desnudez y una soledad que aparecen contenidas en todas las pupilas, que se encarnan en esos mundos oscuros enmarcados sobre el rostro.
Candidez, misterio, hermandad, diálogo y al mismo tiempo mutismo, desafío, suspenso, abismo, enigma. Sedentes, de pie o en fila, a cuerpo entero o en retrato de busto, practicando nudismo o haciendo del vestido tierra fértil y habitable, estos muchachos nos miran. Interrogan, desean algo, con todo el peso de sus ojos exigen, piden, cuestionan. Hay en esas miradas una belleza que se confunde con agujeros negros, con la negra noche homérica, con la muerte, en contraste con la naturaleza y la policromía circundantes. Ellos, sin pedir permiso, han tomado esta taberna y nosotros, en algún momento, o tendremos que preguntarles algo, o habremos de alejarnos y dejarles, dueños de todo.
Yoandy Cabrera
Don Gastón, Madrid, 24 de julio de 2013


Plus d’infos sur :

BREVE RECUENTO

Algunas LINEAS DE TRABAJO   2000

El Proyecto phénix_fire.  comenzó en el año 2000 con la quema de unos cien óleos, de  numerosas exposiciones y referencias a un arte que vino de Cuba y se fue fusionando a las tendencias occidentales.   Una invitación a quemar, en primer lugar el ego; en segundo,  todo lo que nos impide de avanzar y, en tercero: renacer.

Proyecto: Las aves que no vendrán a la primavera humana/ Exposición en el Black Horse de óleos con la temática de los pájaros, en el momento en que quemaban por   millares en Europa y Asia, por  una « supuesta » pandemia que acabaría con la humanidad. Instalación Ojo de gallina _  L’œuvre se situe dans l’œil de celui qui regarde. (En Hangar del puerto, Quai du Bresil)

Proyecto: Yo soy la puta esta noche. Trabajo fotográfico a partir de un maquillaje envejecedor y caricatural sobre la condición de pintora contemporánea que debe ligar con grupos “snobs”, y compradores de baja gama para subsistir, en una especie de prostitución y fatiga del cuerpo. Video e instalación en el Music Bar,  establecimiento del puerto de la ciudad, pintado de rojo, con todos los clichés a su favor “como lugar ideal” de negocios de la noche. Instalación de  mujeres suspendidas en el techo,  para señalar los precios bajos a los « clientes » regulares », la  relación con los galeristas que cogen un porcentaje inmenso +la necesidad de andar en grupo de putas o de lenguas de puta para ser aceptado en el arte contemporáneo. Con una neo figuración bastante bruta e inacabada sobre bagazo conglomerado, lo que acentúa su carácter de desperdicio.

2000-2008

Proyecto  “Las atenciones”

Comienzo mis  tres  líneas de trabajo. Trabajo sobre la fragilidad de los objetos de colección casera; la inexistencia del paraíso en la ciudad y le espacio gráfico de la vida.

Exposición Bienmal, en “saludo” a la primera  Bienal de arte contemporáneo en Le Havre. La acumulación de « alertas » en la infancia, las llamadas de atención de los padres y de los adultos « atención al vestido », « atención al agua. », etc. La acumulación de estas llamadas al orden, disciplinarias, educativas, se convierten en barreras a lo largo de la vida, pues se sobreponen con otras provenientes  de la sociedad, del entorno amical y social.

Abarco tres  temas recurrentes:

1. Atención a las manzanas, muy de la Normandía, donde el personaje de Blanca Nieves, revisitado, se convierte en el guía espiritual y contestatario.

2. « Atención a las interpretaciones », al artista en sí, a su trabajo, pues, en el punto  donde estamos, todo puede bascular. Ser contemporáneo, y su  mirada diferente a la interpretación de la creación. Nada de cuadros, nada de pintura pura, como si el pintor se fuera aunando a un consenso de perdición y de trabajo vano.

3. Atención a los fósforos, a la candela, a los encendidos, a los apagados (en francés  sale el juego de palabras: « attention a les allumés »). _una serie de fotomontajes y de esculturas realizadas con  cabezas de fósforo de diferentes tamaños, según el grado de peligrosidad al encenderse y el derrumbe de apagarse _ver la simbología, con las aspiraciones, las búsquedas, las frustraciones, el reconocimiento y hasta la fama.

Serie de cuadros, dentro del tema Atención a las manzanas.

Formalmente utilizo la visión de la serigrafía de los años 60, colores chillones, planos en la  base, amarillo te- jodo, rojo,   figuras depositarias de su propio abandono, sin   derecho a la “afinación”, apenadas del drama que viven y de estar en situación de mal,  tratan de desviar la atención  .

Otras atenciones. Atención a los atentados. Tres instrumentos de música; las cuerdas encercan  el destrozo, los fragmentos son numerados y constituyen una nueva geografía del cuerpo humano, a partir de las señales y los  deshechos orgánicos a lo largo y ancho del espacio.

Trabajo gráfico a partir de estas líneas y que puede ser apreciado en los sitios web mencionados y en propuesta para conformar un libro.

Atención al vestido

Atención  a la espera

Atención a lo humano

Atención a los apasionados.

2011. Proyecto Chau Chau Margaux. Aborda en lo conceptual el destino y la reiteración e interacción de contratiempos y urgencias en la existencia. (Video -secuencia gráfica)

 

Formación (NINGUNA) y recorrido tradicional (NINGUNO)

Principales exposiciones:

En la década de los 80 trabaja con Fayad Jamís la serie de tipografías y oleos.

1990, París. Trabaja con Luis Tomasello , uno de los creadores del arte cinético.

1991. Realización de cartes postales para  l’Union de Femmes françaises.

Realización del afiche  para la Fête de l’Humanité, en Honfleur.

Diversos performances con el grupo de Marc Minelli.

Premio de pintura de la ciudad de Harfleur.

1993,  Exposición personal en el Musée de la Prieuré, à Harfleur.

Conférence et exposition au Havre Accueil sur le thème « Etre femme et peintre à Cuba » Exposición en el salon des Mujeres creadoras en Haute Normandie, en el ayuntamiento de  de le Havre.

Realización de una   instalación géante en à l’ EXO 7, Rouen.

Salón de peinture du Lions Club, à l’Abbaye du Valasse, Etretat.

Retrospectiva en el Musée du Prieuré à Harfleur.

1995_1996. Exposición en  la Maison Pélissier, en Maromme ; en la galería Talia, de Barcelona ; y en diferentes muestras colectivas en América latina.

1997, Exposición personal en el Espacio Los ojos de Elsa

Exposición personal en el espacio Léo Ferré, Théâtre des imaginaires.

Primer salón des creadores « El arte contemporáneo como vinculo social del futuro, en el centro Océanie.

Exposición a La Poste principal du Havre.

Invitada de honor del salo de creadores contemporáneos de  Montivilliers.

5eme Salon de Serquigny  Artistas contemporáneos de la Normandie.

Premio del  7eme salón de pintura de Rolleville.

Diferentes exposiciones: Bar Ouf, con la asociación Lézarde,

1998. Diferentes exposiciones privadas  a Paris.

Salon del exotisme a Fécamp.

Salón de otoño.

Exposición à Tropic G; En el Select ; happening en la  Place Saint Vincent de Paul.

Exposición privada, organizada por Manzy_Carabali.

1999, Operación Vidrieras de  artistas.

Exposición EDF.

Salón des creadores contemporáneos de  Gonfreville L’Orcher.

Exposición au Black Horse ; Music Bar  salón PAPS; y en el aeropuerto de Octeville.

2000 Premio de la ciudad en el  8eme Salón de l’ AAPPC.

Exposición perso « Cuando se ha vivido mucho tiempo en una isla » à Montivilliers.

Exposición à Mala Galeria, à Gdansk, Polonia

2001. Exposición del Patrimonio régional contemporáneo, Exposición CIN,  Hôtel de Bourgtheroulde, Place  de la Pucelle, à Rouen.

Exposición  personal en el teatro del ayuntamiento de Le Havre.

Construcción de una maquina gigante par el happening de la jornada contra el ruido, en le Havre.

2003. Exposición personal en el Castillo de Val_aux Grès, en Bolbec. Creación junto a un equipo multidisciplinario de un DVD con grafismos sobre el tema “Tirar los des”

04/05. Exposición en Cash Kawa, y en la Maison Poî.

Couvertures  et illustrations de la revue de poésie Dégaine ta rime ; et de la revue Bazar.

Exposición au Cash Kawa.

Ilustración des livres A ciegas, de Laura Ruiz, y del libro Nouvelles de  Dan Leutenegger.

Textos e ilustraciones del libro Señora Si et señorita No.

Nov. Exposición colectiva  en el  Théâtre de l’Hôtel de Le Havre. D’ici et d’ailleurs.

2006. Traducción al español del poemario Juste un peu d’amour de Florence Isacc.

Portada de la antología de poesía Lettres dans la peau,  de la editora Mis escritos, en Argentina

Premio de poesía de la Taberna de poetas  franceses  y publicación en la antología  de Yvelineseditions.

Portada de la novela Ella estaba lejos de Froilán Escobar, Costa Rica.

Exposición en el  Blak Horse ‘Canto a los pájaros que no vendrán’.

Exposición colectiva  internacional « Palabras para el viento », en los Monts  Obarenes, España, proyecto de   arte contemporáneo dirigido por  Fernando García Arnaiz

Exposición en el  Music Bar, Attention aux pommes, atención a las manzanas, dentro de la Primera Bienal de arte  contemporáneo en Le Havre.

Proyectos 2000-2013

Diferentes exposiciones de pintura en Madrid.

Proyecto O Time. Los tópicos de este proyecto  se articulan alrededor de las nociones de tiempo, causales interiores y sociales, y la acumulación del vacío de la existencia.

 Proyecto  Hoy no he visto el paraíso. Revista cultural en la red Facebook, trabajos de creación digital diversos.

Proyecto “Sa cre-sacré(violencia de género)Recorre las abadías de la Normandía.

Proyecto Tarugos,  juguetes para  adultos.

Instalación Airmail Kuba– Transiberiano. diciembre 2009

Proyecto Atención a los vestidos. Expo, marzo 2010 Espacio Les yeux d’ Elsa, Le Havre.

Proyecto Chau Chau Margaux , 2011.

Proyecto « Ellas lo soñaron ».

Proyecto: El perro en retiro.

Proyecto: Mi casita del km101.

Proyecto:Naître à Tchernobyl. 

Proyecto: El niño viene por la boca.

Proyecto: La era que me toca vivir.

Proyecto Madame Bovary 

Expo: DESTINACION PARADISE, (óleos sobre cartón) en la Alliance francesa, de la Florida, dentro de la Tercera semana alternativa de la literatura en Miami, noviembre, 2012.

Expo Algo ha sucedido a la niña del bosque, Espace Leo Ferre, Le Havre, 2013

Expo en La taberna Don Gastón, sede de la editorial Hypermedia, en Madrid, verano, 2013

Mi trabajo como artista visual:

Concepto: “Realitismo y poesía al grado extremo» Mis tres líneas de trabajo desde el 2000:

1. La fragilidad de los objetos de colección casera. 2. La inexistencia del paraíso en la ciudad. 3. El espacio gráfico de la existencia.

Bajo el tópico GRASOFISMOS, palabra que inventé a partir del término «sofista», del griego sophía (σοφία), «sabiduría» y sophós (σοφός). Nombre dado en la Grecia clásica, a aquel que hacía profesión de enseñar la sabiduría. Esquilo denomina así a los que daban utilidad a lo sabido. Píndaro daba un significado despectivo al término sophós asimilándolo a «charlatán».

Cuento historias en su dimensión poética y conceptual, perturbadoras y perturbantes sobre la era que me ha tocado vivir. Realizo los dibujos a boli negro. Trabajo en Gimp2. También creo marionetas y muñecos con objetos caseros a quienes tomo fotos y recreo en el mismo proceder. Incluyo vidéos con la progresión gráfica, en forma de «secuencias de constraste», la única forma de intervenir frente a la destinée de lo contado. Grasofismos, aparte de grafismos y sofismos, posee la palabra graso, difícil de digerir: la visión incorrecta, que puede isolar como individuo _ o cualquier término científico, cercano a trauma. Son visiones poéticas de mi realitismo testimonio.

DETALLES/

Ha editado poemarios a David Lago González, Alberto Lauro, Sonia Díaz Corrales, Odette Alonso, Juan Carlos Recio, Pedro Assef, Maya Islas, Carlos Augusto Alfonso,  Jesús Díaz y ensayos a Javier Guzmán Simón, José Manuel Poveda, Laura Pérez Garcia.

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PUEDEN ADQUIRIRSE AQUI

ALGUNAS FOTOS DE LOS PROYECTOS

Proyecto: Las aves que no vendrán a la primavera humanaInstalación Ojo de gallina _  L’œuvre se situe dans l’œil de celui qui regarde. (En Hangar del puerto, Quai du Bresil)

Proyecto “Yo soy la puta esta noche”

 

2000-2008

Proyecto  “Las atenciones”

Comienzo mis  tres  líneas de trabajo. Trabajo sobre la fragilidad de los objetos de colección casera; la inexistencia del paraíso en la ciudad y le espacio gráfico de la vida.

Exposición Bienmal

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Proyectos 2000-2013

 

Proyecto O Time

Los tópicos de este proyecto  se articulan alrededor de las nociones de tiempo, causales interiores y sociales, y la acumulación del vacío de la existencia.

Papel de muro y leyenda

Realización de un papel de muro_   Le Havre,  y  Madrid , 2006 su confección  fue  industrial  pero existe la posibilidad  de reproducir  el papel de muro en serigrafía- con el esquema arquitectónico del proyecto O_time.

Materiales :  láminas de papel , formato de papel para muros 50 cms, rollos de 50 metros, con el siguiente esquema:

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Correspondiente a las 24 horas del día. y que se unen dando paso a la semana:

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y así hasta el año. Es decir 50 años reflejados en su ubicación temporal. La performance es filmada y  comienza con  la pose del papel en los muros de exposición, seguida de  la creación de la leyenda.

Sobre el papel que cubre los muros, creo con  marcadores rojo (lo que sé), negro (lo que me aportó dolor), y amarillo (lo luminoso), verde (lo que me contaron e insisto en reproducir como vivencia). Estos rellenos , junto a dibujos simples a bic,   señalan las fechas donde recuerdo ocurrieron hechos transcendentales de mi vida: (caída de los dientes, primer sexo, primera muerte cercana, etc). Al final,  el muro se compone de un graffite de la existencia, en el que, incluídas las fechas que  me  fueron contadas, queda el vacío o el hueco del cero. La memoria de la vida no contiene mas de 300 hechos, lugares exactos. Existimos en la geografía del olvido, en el espacio en blanco.

Esta historia indaga sobre la  capacidad memotécnica,  comparte  un tiempo común  representado por el  Hueco.

En la expo se distribuyeron  libretas, formato escolar, con la configuración arquitectónica del proyecto, para que los visitantes realizaran su leyenda, en  ejercicio casero. Una maquina de votos fue adaptada para marcar si la expo/performance sería recordada,  el 98 por ciento de las personas votó en rojo. Supongo que por la consciencia personal de la nada, la puntualización sobre el tiempo. La constancia final habla de periodos nebulosos en la vida humana, enormes saltos de tiempo  dedicados a la alimentación, el empleo, la limpieza, etc, etc,  un fresco de la  memoria que acusa al individuo, sin embargo es ajeno a cualquier pretensión moralizadora:  no enjuicia , no sugiere,  es un simple testimonio destinado a desaparecer.

 

Proyecto  Hoy no he visto el paraíso.-Netart. 

El Centauroparadis Virtus-Al  recorrer el universo.  Puedes ser su compañero de viaje y  testimoniar su presencia:  Imprime la imagen del Centauroparadis Virtus-Al- en el formato que estimes- . Traduce el slogan « Hoy no he visto el paraíso »  a la lengua que desees , expone  la imagen  en la situación o lugar que estimes. Tira fotos y  la envías a margari@wanadoo.fr

Toda acción es  registrada si viene acompañada de la  FOTO, con  leyenda: autor, lugar, hora, día y detalles (no es necesario, pero contribuye a la memoria del proyecto) Concepto: “Realitismo” y poesía al grado extremo.

http://www.youtube.com/watch?v=DTZSzxOiHPk

Proyecto “Sa cre-sacré(violencia de género)Recorre las abadías de la Normandía.

Proyecto Tarugos,  juguetes para  adultos.

Instalación Airmail Kuba– Transiberiano. diciembre 2009

Proyecto Atención a los vestidos. Expo, marzo 2010 Espacio Les yeux d’ Elsa, Le Havre.


Expo: DESTINACION PARADISE, (óleos sobre cartón) en la Alliance francesa, de la Florida, dentro de la Tercera semana alternativa de la literatura en Miami, noviembre, 2012.

Mi trabajo como artista visual:

« Concepto » : “Realitismo” y poesía al grado extremo» Mis tres líneas de trabajo desde el 2000:

1.La fragilidad de los objetos de colección casera. 2. La inexistencia del paraíso en la ciudad. 3. El espacio gráfico de la existencia.

Bajo el tópico GRASOFISMOS, palabra que inventé a partir del término «sofista», del griego sophía (σοφία), «sabiduría» y sophós (σοφός). Nombre dado en la Grecia clásica, a aquel que hacía profesión de enseñar la sabiduría. Esquilo denomina así a los que daban utilidad a lo sabido. Píndaro daba un significado despectivo al término sophós asimilándolo a «charlatán».

Cuento historias en su dimensión poética y conceptual, perturbadoras y perturbantes sobre la era que me ha tocado vivir. Realizo los dibujos a boli negro. Trabajo en Gimp2. También creo marionetas y muñecos con objetos caseros a quienes tomo fotos y recreo en el mismo proceder. Incluyo vidéos con la progresión gráfica, en forma de «secuencias de constraste», la única forma de intervenir frente a la destinée de lo contado. Grasofismos, a parte de grafismos y sofismos, posee la palabra graso, difícil de digerir: la visión incorrecta, que puede isolar como individuo _ o cualquier término científico, cercano a trauma . Son visiones poéticas de mi realitismo testimonio.

Paris Normandie

Magazine Bazart de L’Art.

Gentside.

Pilotmotiv

Dailymotion

Normandie web.

Radio Marti

Art Mayor

GALERIA PICASA


  1. Primera vez que te visito, Margarita, y me siento muy bien al ver tus trabajos.
    Encantada y gracias por tu comentario en el blog.

  2. Marga esa es tuya… WOW

  3. Margara descibrirte ha sido intenso y bien bello ,como se dice aqui ante sde entrar a las tablas , »Merde ,Ache pa ti « ,Excellent trabajo ,Bravo L’artiste !!

  4. Descrubrirte ,!

  5. […] Twitter Facebook AccueilLautorinaNarrativaArtic.PinturaPoesía […]

  6. Muchas gracias Brisy, te agradezco mucho el cariño y te debo una comidita en el bar de Le Havre. besos.

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